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💔💔EL ARQUITECTO QUE RENUNCIÓ A TODO POR AMOR: LA DURA HISTORIA DE JEREMÍAS, EL HOMBRE DETRÁS DEL ÉXITO DE LA SOLE.Corría...
02/12/2025

💔💔EL ARQUITECTO QUE RENUNCIÓ A TODO POR AMOR: LA DURA HISTORIA DE JEREMÍAS, EL HOMBRE DETRÁS DEL ÉXITO DE LA SOLE.

Corría el año 1998 en las calles de Arequito y la timidez no estaba en los planes de una joven Soledad Pastorutti. Decidida a marcar su destino sentimental, la cantante se acercó a una casa vecina y ejecutó un plan audaz: golpeó la ventana de su futura suegra y salió corriendo.

El mensaje fue captado de inmediato. Jeremías Audoglio, su compañero de la escuela secundaria nocturna, entendió la indirecta y fue a buscarla. Así nació una historia de amor que hoy parece un cuento de hadas, pero que tuvo un comienzo lleno de obstáculos, prejuicios familiares y sacrificios profesionales silenciosos.

Aunque hoy forman una de las parejas más sólidas del ambiente, el camino no fue un lecho de rosas. En una confesión íntima con Héctor Maugeri, La Sole reveló la resistencia que sufrió su novio en el seno de la familia Pastorutti.

"A mi viejo mucho no le gustaba. A mi mamá tampoco", disparó la artista, blanqueando que sus padres no terminaban de aceptar al joven de Arequito.

Los códigos de aquella época eran estrictos y la vigilancia familiar, implacable. "Nunca me fui de vacaciones con Jere estando de novios", recordó Soledad. La convivencia fue un premio que llegó recién después de pasar por el altar: "Empezó a partir del casamiento. Eran otros tiempos".

Ese "sí, quiero" definitivo llegó en 2007, tras años de noviazgo a la antigua. Fue una fiesta monumental para 800 invitados en el Salón Metropolitano de Rosario, el evento que selló la unión para siempre.

Pero el verdadero amor se demostró en las renuncias. Jeremías Audoglio es arquitecto de profesión, un título que le costó años de estudio, pero que, según confirman varios medios, nunca llegó a ejercer plenamente.

La vorágine de la carrera de su esposa y la llegada de sus hijas, Antonia y Regina, lo obligaron a tomar una decisión de vida: colgar el título para convertirse en el pilar fundamental de la estructura Pastorutti.

"Mi marido trabaja conmigo, me ayuda mucho con las nenas", explicó la cantante, detallando cómo funciona esa maquinaria familiar en movimiento. "Cuando nos vamos de gira nos vamos los cuatro... eso me facilita que ellas compartan conmigo mi trabajo".

El rol de Jeremías trascendió la logística hogareña y los escenarios. Sin tener formación específica en el agro, el esposo de la artista se cargó al hombro la administración de los campos que la familia posee en la zona de Arequito.

Lejos de los flashes y los aplausos que recibe su mujer, él eligió el trabajo duro y silencioso. "Es estar acá, apoyando, venir y trabajar. Es ser el primero que llega y el último en irse a la noche con el desarme", lo definió Soledad, reconociendo el esfuerzo invisible de su compañero.

Lo que comenzó como un golpe en la ventana de una suegra y resistió la mirada desconfiada de unos padres protectores, hoy es una sociedad de vida inquebrantable. Jeremías dejó de construir edificios para construir un hogar y sostener, desde las sombras, la carrera de una de las máximas figuras del país.

«A LOS 13, CONSUMÍA COCAÍNA EN LOS BAÑOS DE DISCOTECAS. A LOS 14, SE DIVORCIÓ DE SU PROPIA MADRE.»Drew Barrymore tenía s...
29/11/2025

«A LOS 13, CONSUMÍA COCAÍNA EN LOS BAÑOS DE DISCOTECAS. A LOS 14, SE DIVORCIÓ DE SU PROPIA MADRE.»

Drew Barrymore tenía siete años cuando conquistó al mundo entero en E.T. el Extraterrestre. Esa adorable niña del dedo brillante se convirtió en la novia de América de la noche a la mañana.

Detrás de las cámaras, su infancia se estaba desmoronando.

Nacida en la realeza de Hollywood—la legendaria dinastía Barrymore—Drew heredó más que fama. La adicción y la disfunción corrían por su familia como una maldición. Su padre era un alcohólico abusivo que los abandonó. Su madre, una actriz frustrada, vio en la fama de Drew su segunda oportunidad de relevancia.

Cuando Drew se hizo famosa a los siete, su madre no protegió su infancia. La llevó al Studio 54 a los nueve años—la legendaria discoteca donde la co***na corría libremente y las celebridades festejaban hasta el amanecer.

A los nueve, Drew bebía. A los diez, fumaba ma*****na. A los doce, consumía co***na.

«No tenía padres», diría después Drew. «Tenía habilitadores con chequeras.»

Su madre la trataba como a una igual, no como a una niña que necesitaba límites y protección. Drew se convirtió en la fiestera más joven de Hollywood, famosa en portadas de revistas mientras, en privado, caía en picada hacia la adicción.

A los trece, estaba totalmente adicta. Alguien finalmente intervino.

A los trece, Drew fue enviada a una institución psiquiátrica—no un centro de rehabilitación suave, sino una sala psiquiátrica cerrada. Pasó 18 meses rodeada de personas con enfermedades mentales severas, sometida a terapia intensiva, desintoxicándose y enfrentándose a los restos de su infancia.

«Fue lo mejor que pudo haberme pasado», dijo después.

La mayoría estaría resentida. Drew reconoció que le salvó la vida.

Cuando salió a los catorce, tomó una decisión que lo cambió todo: se emancipó legalmente de su madre.

A los catorce años, Drew Barrymore se divorció de sus padres.

Consiguió su propio apartamento y se convirtió legalmente en responsable de sí misma—una adolescente intentando sobrevivir sola en Los Ángeles. La mayoría de las estrellas infantiles emancipadas se estrellan. Pero Drew ya había tocado fondo. No tenía a dónde ir excepto hacia arriba.

¿El problema? Hollywood ya no la quería.

Era un riesgo: una exestrella infantil con un problema público de dr**as y un paso por un psiquiátrico. Las compañías de seguros no la cubrían. Los directores no la contrataban.

Así que Drew trabajó en empleos ocasionales, audicionó sin descanso y se negó a desaparecer.

Su regreso empezó con papeles pequeños. Luego llegó The Wedding Singer en 1998 con Adam Sandler. América volvió a enamorarse de Drew—pero esta vez como mujer adulta. Divertida, encantadora, cercana. Una sobreviviente que emergió al otro lado.

Pero Drew no solo quería actuar. Quería control.

En 1995, a los veinte años, cofundó Flower Films—su propia productora. Fue una de las productoras femeninas más jóvenes de Hollywood.

Produjo Charlie's Angels en 2000—un gran éxito en el que también protagonizó. Ya no era solo la actriz. Era la jefa. Controlaba la dirección creativa, el presupuesto, el reparto.

Produjo 50 First Dates, Never Been Kissed y decenas de otras películas y programas. Dirigió. Escribió. Construyó un imperio.

Drew Barrymore se convirtió en una de las mujeres más poderosas de Hollywood—no por haber nacido en él, sino porque se reconstruyó desde cero absoluto.

«Solía ser la chica de la que la gente advertía a sus hijos», dijo una vez. «Ahora soy la mujer que les ayuda a hablar de ello.»

Ha sido dolorosamente, brutalmente honesta sobre su pasado. A los quince escribió su autobiografía Little Girl Lost. Ha dado innumerables entrevistas sobre su trauma, su institucionalización y su camino hacia la sobriedad.

No lo esconde. Lo posee.

Y esa honestidad la ha hecho mucho más querida que si hubiera sido simplemente otra celebridad perfecta.

Drew Barrymore hoy tiene un patrimonio de 85 millones de dólares. Tiene su propio programa—The Drew Barrymore Show—donde entrevista celebridades y habla sobre la vida, el amor y la recuperación. Tiene una línea de belleza, artículos para el hogar y una productora aún creando contenido.

Tiene dos hijas. Es ferozmente protectora con ellas, de maneras en que su propia madre nunca lo fue.

Está sobria. Está estable. Está triunfando.

Pero lo más importante que hizo Drew Barrymore no fue construir una carrera o ganar dinero.

Fue aprender a criarse a sí misma cuando nadie más lo hizo.

Estuvo en Studio 54 a los nueve. En un psiquiátrico a los trece. Viviendo sola a los catorce, intentando ser su propia madre.

La mayoría no sobrevive a eso. La mayoría de las estrellas infantiles se estrellan, recaen, desaparecen.

Drew se reconstruyó. Sanó. Triunfó.

No porque tuviera suerte.
No porque alguien la rescatara.

Sino porque decidió que valía la pena salvarse—y luego hizo el trabajo.

Su historia no trata solo de Hollywood, fama o adicción.
Trata de lo que sucede cuando te niegas a permitir que tus peores momentos te definan. De cuando tomas la infancia que te negaron y creas la adultez que mereces. De cuando te conviertes en el padre que nunca tuviste.

Drew Barrymore no solo sobrevivió a Hollywood.
Sobrevivió al abandono de quienes debieron amarla más.

Y aun así construyó una vida que vale la pena vivir.

Eso no es una historia de regreso.
Es una revolución.

No tenía la altura que Hollywood exigía, ni la forma que los productores buscaban. Pero Danny DeVito entraba a cada sala...
18/11/2025

No tenía la altura que Hollywood exigía, ni la forma que los productores buscaban. Pero Danny DeVito entraba a cada sala como si fuera dueño del aire que se respiraba. No por arrogancia. Por convicción.

Los Ángeles, 1975. Una sala de casting repleta de actores altos, guiones en mano, posturas perfectas. Silencio profesional. Entonces, la puerta se abrió de golpe. DeVito irrumpió con una chaqueta de cuero desgastada, el pelo rebelde y los ojos encendidos con una seguridad aplastante. Observó a los seis pies de estatura que lo rodeaban y soltó:

—Bueno… ¿cuál de ustedes va a interpretar al tipo alto?

La risa fue inmediata. Pero no duraría mucho.

No era la elección obvia para el papel de Martini en *Atrapados sin salida*. Los productores querían energía, imprevisibilidad, volumen. Creían que la estatura traía ese poder. Pero DeVito se sentó frente a Milos Forman, lo miró como si ya perteneciera a la película, y cuando le preguntaron por qué ese papel le importaba, respondió:

—Porque piensa más rápido que los demás.
Solo que no tiene espacio para demostrarlo.

Silencio. Todos lo sintieron. Y por 350 dólares a la semana, se quedó con el papel que los hombres altos habían ido a buscar.

En el set, mientras otros gritaban y se movían con fuerza, DeVito robaba escenas con un gesto mínimo. Una ceja levantada. Una media sonrisa. La cámara lo buscaba, no porque él la llamara, sino porque se lo ganaba. Un día, deslizó una silla unos centímetros hacia Jack Nicholson. Sin aviso. Nicholson rompió el personaje riéndose. Forman dejó la toma. DeVito había hecho lo que solo los grandes actores logran:
Hizo que el mundo respondiera a él.

Después dijeron que desaparecería. Un papel pequeño. Un personaje raro. Nada duradero.

Entonces llegó *Taxi*.

Los ejecutivos de ABC miraron su foto y dijeron que América no aceptaría a un despachador de metro y medio como protagonista. Demasiado bajo. Demasiado extraño. Demasiado arriesgado. Pero DeVito no se achicó. Entró a la lectura de guion, lo dejó caer sobre la mesa y gruñó:

—¿Quién escribió a este despachador id**ta? Me encanta.

Risas. Contrato. 15.000 dólares por episodio. Globo de Oro en la segunda temporada. El hombre que era “demasiado pequeño para la televisión” se convirtió en su presencia más grande.

Y luego, en 1989, llegó *Batman*. El Pingüino.

Warner Bros quería un villano tradicional. Alto. Pulido. Vendible. Tim Burton se opuso. Le mostró a DeVito un boceto: un rostro solitario, una nariz como pico, un hombre deformado por la crueldad. DeVito lo observó, lo tocó, y dijo:

—Está enojado porque el mundo nunca le permitió ser normal.

Burton no dudó.

—Lo entiendes.
Y por eso eres él.

Tres horas de maquillaje cada mañana. Sets fríos como alcantarillas. Trajes rígidos. Prótesis pesadas. Sin dobles. Sin atajos. Quería el dolor, porque el Pingüino vivía en él. La película recaudó más de 260 millones de dólares. Pero el dinero no era el punto.

El punto era que Danny DeVito—el hombre que nunca fue el ideal—se había vuelto inolvidable.

Y entonces, en 1996, llegó *Matilda*.

Mientras interpretaba al cruel padre de la niña, detrás de cámaras vivía algo completamente opuesto. Mara Wilson, la pequeña protagonista, acababa de perder a su madre por cáncer. Tenía nueve años. Estaba en duelo. Vulnerable. Y DeVito, lejos de su personaje, se convirtió en su refugio.

La llevaba a casa. Le cocinaba. Le leía cuentos. Le mostraba películas. Le recordaba que aún había ternura en el mundo. Cuando la madre de Mara enfermó, DeVito hizo algo que pocos saben: terminó la edición de *Matilda* y se la mostró en privado, antes del estreno, para que pudiera ver el fruto de su trabajo junto a su madre. Un gesto silencioso. Un acto de amor.

Porque Danny DeVito no solo desafió la industria. También la humanizó.

Una vez resumió su vida en una sola frase:

—Si cierran una puerta, yo entro por la ventana.

Y eso fue siempre él.

Entró por cada ventana que Hollywood intentó cerrar. Convirtió sus desventajas en armas. Su duda en combustible. Su cuerpo de metro y medio en una sombra gigante. No ascendió porque lo invitaran. Ascendió porque se negó a sentarse.

Y en ese ascenso, dejó algo más grande que fama:
Dejó huellas de ternura donde nadie esperaba encontrarla.

14/11/2025

💫 Una obra no basta nunca con verla una vez, es un ser vivo, si ya la viste esta es tu oportunidad de ver como creció y si aún no la viste este es el momento. Apoyando la producción de elencos jujeños ayudas a que la actividad siga creciendo!!!

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Tercera y última parte 😉:sobrevivió. El precio no era el valor de Cael; era el valor de mantener el orden social, el val...
14/11/2025

Tercera y última parte 😉:

sobrevivió. El precio no era el valor de Cael; era el valor de mantener el orden social, el valor de asegurar que algunas personas conocieran su lugar.

Su amor no tuvo un final feliz, pero venció en el único campo posible: el de la memoria. Gracias a la valentía de Genoveva, que desafió a su padre, y de Maria das Dores, que arriesgó su vida para preservar la verdad, el hombre vendido por un precio de nada no fue olvidado. Cael, Genoveva y Maria das Dores obtuvieron lo único que realmente importa al final: sus nombres y su historia resistieron al tiempo y al poder.

Segunda Parte 😉El primer beso, en mayo de 1851, escondidos detrás de los estantes bajo el sonido de la lluvia, selló su ...
14/11/2025

Segunda Parte 😉

El primer beso, en mayo de 1851, escondidos detrás de los estantes bajo el sonido de la lluvia, selló su destino. Fue rápido, asustado, desesperado y cargado de una ingenuidad que el amor impone. “Nos van a destruir,” advirtió Cael. “Entonces que destruyan,” respondió Genoveva. “Al menos habremos tenido esto.”

El romance, robado y secreto por tres meses, llevó a Genoveva a la audacia final. Ella sugirió el matrimonio. Cael sabía que Benevides nunca lo permitiría. Sin embargo, Genoveva conocía a Mãe Sabina, la curandera y figura respetada de la orilla del manglar, que realizaba matrimonios reales “a los ojos de Dios y de los espíritus,” aunque ilegales ante la ley de los blancos.

La ceremonia se llevó a cabo en agosto, bajo el manto de la oscuridad. Mãe Sabina les advirtió: “Que los orixás los protejan, porque los hombres no lo harán.” Con hierbas quemadas, palabras antiguas y manos atadas con cinta roja, el matrimonio se celebró. Genoveva, sin embargo, insistió en tener un registro tangible.

Mãe Sabina mantenía un libro—un compendio de uniones ignoradas por la Iglesia y la Ley, pero reales para las comunidades negras. Allí, en agosto de 1851, fue escrito el registro: “Cael, hijo de Tomé, y Genoveva, hija de Álvaro Benevides, unidos ante los espíritus.” Era prueba, pero también el mayor de los peligros.



La Furia del Desembargador y la Farsa del Robo


La felicidad radiante de Genoveva, que comenzó a tararear y sonreír sin motivo, fue lo que delató a la pareja. El Desembargador Benevides, que conocía a su hija mejor de lo que ella imaginaba, la confrontó. Genoveva, desmoronándose bajo la mirada implacable de su padre, confesó: “Lo amo. Y nos casamos.”

El silencio de Benevides fue peor que la ira: fue hielo. Al enterarse del “matrimonio, juego de negros,” su furia estalló. “¡Eres mi hija! Y te acostaste con un…” Antes de que él terminara la frase, Genoveva, con sorprendente firmeza, defendió a Cael. La reacción de Benevides fue la negación y la amenaza: “Lo olvidarás. Esto nunca sucedió.”

Al día siguiente, la venganza se puso en marcha. Cael fue arrestado bajo la falsa acusación de robar 20.000 reales de la oficina, dinero que Benevides mismo había plantado. La palabra de un desembargador era ley; la defensa desesperada de Tomé, padre de Cael, fue silenciada bajo la amenaza de Benevides de hacerle perder su propia libertad.

El juicio fue una farsa, presidida por un amigo de Benevides. El veredicto: culpable. La sentencia: ser vendido como esclavo para pagar la deuda y servir de ejemplo. Genoveva fue encerrada, su voz desapareciendo en gritos de desesperación mientras se “apagaba” lentamente. La ley, torcida por el poder, declaró a Cael, el hombre libre, un criminal sin derechos.

Las hermanas pervertidas que obligaron a su propio hermano a convertirse en su marido (1902, Ozarks de Misuri)La Deuda d...
14/11/2025

Las hermanas pervertidas que obligaron a su propio hermano a convertirse en su marido (1902, Ozarks de Misuri)
La Deuda de 17.000 Reales por una Vida: La Historia de Cael, el Negro Libre Vendido por Amor Prohibido en Bahía en 1851, y el Secreto que Destruyó a un Desembargador

El año era 1851. En el Recôncavo Bahiano, una ciudad llamada Santo Amaro vivía bajo las rígidas reglas de una sociedad esclavista, donde la reputación y la jerarquía valían más que la vida. En este escenario de poder absoluto y prejuicio implacable, se desarrolló una historia de amor prohibido que terminó en tragedia, pero que, a través del improbable sacrificio y la valentía de dos mujeres, dejó un registro que desafió el poder del hombre más temido de la región: el Desembargador Álvaro Benevides.

Esta es la historia de Cael, el joven negro libre vendido por un valor irrisorio, y de Genoveva, la hija atrapada en una jaula dorada, cuyo amor se atrevió a cruzar las fronteras sociales, pagando un precio devastador.

Jerarquía y el Amor en la Biblioteca

A sus 62 años, el Desembargador Álvaro Benevides era la personificación del poder en Santo Amaro: rico, temido y poseedor de una voz que hacía temblar a la gente. Su hija, Genoveva, de 22 años, pálida y de belleza etérea, había sido educada para ser el adorno de un matrimonio de prestigio, enseñada, sobre todo, a obedecer.

En contraste, estaba Cael, de 19 años, hijo de un carpintero alforriado. Cael había nacido libre, pero era pobre y negro, lo que, en la sociedad de 1851, imponía limitaciones que Benevides se encargaba de recordar. Desde los 14 años, Cael trabajaba en la casa de los Benevides, organizando la vasta biblioteca y copiando documentos legales, una habilidad rara que el propio desembargador reconocía.

Fue entre los estantes polvorientos de la biblioteca donde Genoveva y Cael se encontraron. Lo que comenzó como "conversaciones inocentes" sobre libros pronto se convirtió en algo peligroso. Genoveva veía en Cael a la única persona que la veía como persona, no como mercancía matrimonial. Cael sentía la atracción, pero sabía que era un suicidio social. Él no era "nadie"; ella, la hija del señor.

El primer beso, en mayo de 1851, escondidos detrás de los estantes bajo el sonido de la lluvia, selló su destino. Fue rápido, asustado, desesperado y cargado de una ingenuidad que el amor impone. "Nos van a destruir," advirtió Cael. "Entonces que destruyan," respondió Genoveva. "Al menos habremos tenido esto."
"👇 Lee la historia completa haciendo clic en el enlace azul de abajo."

El profesor Ruben Dario Luna Artes Escenicas se presenta en su ciudad natal para esta magnífica obra musico-teatral insp...
14/11/2025

El profesor Ruben Dario Luna Artes Escenicas se presenta en su ciudad natal para esta magnífica obra musico-teatral inspirada en el raigambre del jujeño.
Están todos invitados el 20 de Noviembre a la Casa de La Cultura y del Bicentenario de Palpalá a vivir esta experiencia única y premiada en festivales de teatro.

DANZA-TEATRO EN PALPALÁ

GRUPO DANZA LIBRE
PRESENTE

MUERO EN ESTE CARNAVAL (DANZA-TEATRO) - Dirigida por Hugo Aristimuño
🔥 Obra ganadora de la 38 fiesta provincial del teatro jujuy🌞🎭


🔊 Gente linda!!! para que agenden:
📅 *20 de Noviembre*
⏰️ *21 hs*
🎭 *Casa de la Historia y la Cultura del Bicentenario* Río Chubut, Palpalá, Jujuy

Vamos palpitando el reencuentro con el público de nuestro espectáculo unipersonal *Muero en este Carnaval* Obra que en la actualidad representa a Jujuy, cuenta que:

"En ese atardecer del día del entierro lo vieron alejarse en dirección a los cerros. Se comenta que devolvió el traje y la máscara al DIABLO y llorando, mientras se sacudía la harina y el papel picado… le pidió que le devuelva a Julia… su amor. Nadie sabe lo que ocurrió en esos días… solo se escuchaban los golpes de su caja y sus coplas desafinadas…Al poco tiempo… bajó del cerro sin la máscara y el traje… a quienes se le cruzaban en su camino les decía riendo “me he mu**to en este CARNAVAL”… “me he mu**to en este CARNAVAL!!!”

💫 *una obra no basta nunca con verla una vez, es un ser vivo, si ya la viste esta es tu oportunidad de ver como creció y si aún no la viste este es el momento, Apoyando la producción de elencos jujeños ayudas a que la actividad siga creciendo!!!*

(ya están a la venta las entradas anticipadas no te quedes sin tu lugar, será una noche especial)

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🎟 3885706278 - 388 473-3499
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INVERSIÓN GENERAL
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𝘓𝘢 𝘦𝘴𝘤𝘦𝘯𝘢 𝘤𝘰𝘣𝘳𝘢 𝘷𝘪𝘥𝘢 𝘤𝘶𝘢𝘯𝘥𝘰 𝘦𝘭 𝘱𝘶́𝘣𝘭𝘪𝘤𝘰 𝘴𝘦 𝘩𝘢𝘤𝘦 𝘱𝘢𝘳𝘵𝘦. 𝘕𝘰𝘴𝘰𝘵𝘳𝘰𝘴 𝘺𝘢 𝘦𝘴𝘵𝘢𝘮𝘰𝘴 𝘭𝘪𝘴𝘵𝘰𝘴, ¿𝘺 𝘷𝘰𝘴?.
¡𝘛𝘦 𝘦𝘴𝘱𝘦𝘳𝘢𝘮𝘰𝘴 𝘱𝘢𝘳𝘢 𝘤𝘦𝘭𝘦𝘣𝘳𝘢𝘳𝘯𝘰𝘴!

Quienes hacemos posible esta obra

MUERO EN ESTE CARNAVAL
Teatro-Danza

Producción
Danza Libre
Teatro El Pasillo
Teatro del Viento

Interprete
Rubén Darío Luna

Voz (off)
Rubén "Chuña" Iriarte

Creación Equipo
Belén Calapeña - Rubén Luna - Hugo Aristimuño

Dramaturgia y Dirección General
Hugo Aristimuño

Asistencia de dirección
Belén Calapeña

Técnica
Serena Diaz
Guadalupe Cabana
Gabriel Quispia
Matías Gutiérrez
Gabriel Rodriguez

Accesorios y Vestuario
Vero Nadal
Claudia Martínez

Fotografía
Ivana Juárez
Matías Gutiérrez

Promoción y difusión
Danza Libre Contenidos

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Vamos palpitando el reencuentro con el público de nuestro espectáculo unipersonal *Muero en este Carnaval* Obra que en la actualidad representa a Jujuy, cuenta que:

"En ese atardecer del día del entierro lo vieron alejarse en dirección a los cerros. Se comenta que devolvió el traje y la máscara al DIABLO y llorando, mientras se sacudía la harina y el papel picado… le pidió que le devuelva a Julia… su amor. Nadie sabe lo que ocurrió en esos días… solo se escuchaban los golpes de su caja y sus coplas desafinadas…Al poco tiempo… bajó del cerro sin la máscara y el traje… a quienes se le cruzaban en su camino les decía riendo “me he mu**to en este CARNAVAL”… “me he mu**to en este CARNAVAL!!!”

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Quienes hacemos posible esta obra

MUERO EN ESTE CARNAVAL
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Producción
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Interprete
Rubén Darío Luna

Voz (off)
Rubén "Chuña" Iriarte

Creación Equipo
Belén Calapeña - Rubén Luna - Hugo Aristimuño

Dramaturgia y Dirección General
Hugo Aristimuño

Asistencia de dirección
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Técnica
Serena Diaz
Guadalupe Cabana
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Matías Gutiérrez
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Accesorios y Vestuario
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Fotografía
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Promoción y difusión
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Lloran los ojos de papel.Nota a Crsitina Bustamante, la novia del flaco en los primeros tiempos de Almendra."Hablé por t...
09/11/2025

Lloran los ojos de papel.
Nota a Crsitina Bustamante, la novia del flaco en los primeros tiempos de Almendra.

"Hablé por teléfono con Luis en octubre, y me contó que estaba muy enfermo. Yo antes le había mandado un mail y él, en su estilo críptico de toda la vida, me lo contestó y me pareció que algo andaba mal. Lo llamé y me confirmó que estaba muy enfermo, pero me dijo algo que me conmovió: Estoy preparado para esto, vengo preparándome toda la vida para este momento, y yo ya dije todo lo que tenía que decir».
Conmovida hasta el llanto, Cristina Bustamante habló con este diario de quien fue-según relata- «el primero de mi vida en muchísimas cosas». Cristina, (Cris), fue la novia de la adolescencia de Luis Alberto Spinetta, la que inspiró «Muchacha ojos de papel», ese himno que cantan chicos cuyos padres aún no habían nacido cuando estos dos jóvenes de 17 años se unieron.
«Tengo un dolor enorme, estoy rota por dentro. Luis fue el gran amor de mi vida; hace algunos años, de visita en Buenos Aires, una amiga me dijo Andate tranquila que acá te cuidamos la adolescencia. Con la muerte de Luis, se muere toda una etapa de mi vida...».
Cristina partió de la Argentina en 1978; vivió siete años en Venezuela, otros veinte en Boston y desde entonces está en Los Ángeles; es profesora de español en una exclusivísima secundaria de Santa Monica a la que concurren hijos de celebridades de Hollywood. La «Muchacha ojos de papel» es una bella abuela de dos nietos que le dio su hija Celeste.
Alguna vez, ya separada de su primer marido y hace una vida, este periodista la chicaneó: «¿Estás segura de que sos vos la muchacha de la canción del Flaco?» Ella, filosa, respondió: «Qué te pasa, querido: yo incluso ayudé a darle forma a la versión definitiva de la letra».
Ayer, conmovida por la muerte de quien para millones de amantes de su arte fue el más grande músico-poeta argentino de todos los tiempos (ver Espectáculos), y para ella su primer amor, modifica la versión: «En realidad yo hice un solo cambio; en el original Luis había puesto senos de miel, y yo le dije que eso parecía un catálogo de corpiños... Estuvimos de acuerdo en que pechos quedaba mejor».
Reprimiendo en vano el llanto, agrega: «Yo nunca me di crédito por Muchacha... fue todo de Luis; el arte fluía a través de él». El periodista trata de convencerla de que muchas veces la musa es tan importante como el poeta. En vano. «La única letra que escribí para Almendra fue un tema, Chocolate, pero creo que nunca se grabó».
Almendra -Spinetta, Edelmiro Molinari, Rodolfo García, Emilio del Guercio- estrenaron el tema más cantado y recordado de la historia del rock argentino un viernes a la noche en el teatro Coliseo, en 1969. Era el tiempo en que el rock en castellano trataba de abrirse paso y el influjo del «flower power» californiano intentaba hacer pie en Buenos Aires.
La poesía de esa canción aparentemente simple (cuatro voces, una guitarra acústica, casi un «unplugged» como se lo llamaría décadas más tarde), pero complejísima en las armonías vocales de los cuatro integrantes del grupo paralizó a los 1.500 privilegiados que asistieron a ese pequeño milagro. Desde ese momento, la historia de la música local cambió para siempre.
Antes de esa noche Cris recuerda que Luis y ella se abrazaban en la cocina de la casa de sus padres (la portería del edificio donde vivía Del Guercio) para escuchar «la media hora de los Beatles de Modart en la noche», uno de los programas más populares de la época. Los dos cursaban el quinto año de secundario.«Escuchábamos a los Beatles y dibujábamos; los tres dibujábamos bien: Luis, Emilio y yo. Y como yo sabía inglés y Luis no tanto, le traducía los temas de los Beatles; para él era una especie de he***na del inglés».
El padre de Cris, «con su ética de clase trabajadora, de encargado de edificio, no estaba para nada contento de que su nena saliera con un pibe de pelo largo. Pero después lo amó...».
¿Cómo era el «Flaco» en su relación con ella? «Luis era miel pura, y no sólo conmigo. Hace unos tres años, creo que en 2008, estaba en Buenos Aires tomando un café con él y lo llamó Mercedes, su pareja actual. Lo escuché hablar por teléfono con ella y me estremeció: abría la boca y de ella sólo salía poesía».
En esa charla telefónica en la que Cris se enteró de la grave enfermedad de Spinetta, ella le recomendó hacer meditación: un músico de jazz, maestro de su actual esposo (un músico estadounidense) también enfermó de cáncer y se volcó al misticismo oriental. El «Flaco» respondió con la frase que cuenta Cris: «Me preparé toda la vida para este momento». Ella está convencida de que «la filosofía fue la herramienta que le permitió irse tranquilo. Esa vez, que fue la última vez que charlé con él, lo escuché en absoluta paz consigo, tranquilo, fuerte para enfrentar lo que venía».Cuando hace algún tiempo, y gracias a la red social, Cris y este periodista retomaron una amistad que había quedado trunca hace más de tres décadas, ella le confesó que la única razón que podría traerla de visita a Buenos Aires era verlo a Luis. «Ya no tengo familia, y me quedan pocos amigos ahí. Si voy es para verlo a Luis».
La historia de amor duró tres años; la letra de «Muchacha...» obviamente habla de la primera relación sexual del músico con su musa. Después cada uno siguió su camino, pero el vínculo que los unió (no sólo el musical) los mantuvo cerca pese a la distancia física que los separó.
Hacia el final de la charla, Cris estalla en llanto: «Luis no era una persona religiosa; ninguna de sus letras habla de Dios, pero desde chico estudió filosofía y estoy segura de que fue eso lo que lo preparó para la muerte. Y pese a ser agnóstico, estoy segura de que John y George van a estar esperándolo donde quiera que vaya su alma».

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