http://hamedia.com.vn/, https://doanhnghiephoinhap.vn/hanh-trinh-tao-anh-huong-cua-ceo-hai-anh-ha-media-trong-corporatec

CEO Hải Anh Media, Hanoi, Hanoi (2026)

23/09/2026

BUITRUONGLINH VÀ CÁI KẾT RỰC RỠ VỚI “THÊU HOA DỆT GẤM”: KHẲNG ĐỊNH DẤU ẤN QUA SẮC MÀU DÂN GIAN.

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng, điều đáng nói nhất về buitruonglinh trong Chung kết Tinh Hà “Say Hi” là cách anh mang một màu sắc đặc biệt của mình vào đúng thời điểm và kết hợp cùng các thành viên để tạo nên một tiết mục có câu chuyện riêng.

Buitruonglinh vốn được khán giả biết đến nhiều hơn với những ca khúc mang màu sắc trẻ trung, giàu cảm xúc và đặc biệt là những câu chuyện về tình yêu. Vì vậy, “Thêu Hoa Dệt Gấm” cho khán giả thấy một khía cạnh ít khi được thể hiện. Anh cũng là tác giả của ca khúc "Thịnh Vượng Việt nam Sáng Ngời" - một tác phẩm mang tầm vóc lớn lao, dung hòa giữa âm hưởng đương đại hào sảng và các chất liệu dân tộc như đàn tranh, đàn bầu. Ca khúc này thậm chí đã vang lên đầy trang trọng tại Đại lễ kỷ niệm của quốc gia. Mình cho rằng chính tư duy khai phá nguồn cội, kết hợp nhuần nhuyễn giữa "đương đại" và "truyền thống" đã trở thành bệ phóng vững chắc cho buitruonglinh làm "Thêu Hoa Dệt Gấm" tại chung kết.

Đặc biệt, đây là một tiết mục nhóm nên thành công của “Thêu Hoa Dệt Gấm” không thể tách rời sự kết hợp của cả 4 thành viên. Ở vai trò đội trưởng, buitruonglinh không cố gắng biến sân khấu thành màn trình diễn của riêng mình mà lựa chọn cách phân chia đất diễn phù hợp với từng người. Điểm mình thấy thú vị nằm ở ý tưởng đưa những chất liệu văn hóa dân gian Bắc Bộ vào một bản phối hiện đại. Ca trù, xẩm, chèo, quan họ cùng xuất hiện trong “Thêu Hoa Dệt Gấm”, tạo nên hình ảnh một không gian lễ hội nhiều màu sắc. Với một bài thi chung kết, đây là lựa chọn khá táo bạo bởi chất liệu truyền thống nếu xử lý không khéo rất dễ trở nên nặng tính trình diễn. Nhưng khi được đặt cạnh melody và cách dàn dựng sân khấu của từng thành viên, những yếu tố này lại trở thành chất liệu để cả nhóm kể một câu chuyện thống nhất.

Một trong những khoảnh khắc đáng nhớ nhất của buitruonglinh là lần đầu thử sức với đàn đáy. Đây vốn là một nhạc cụ gắn liền với Ca trù và không phải lựa chọn dễ dàng đối với một nghệ sĩ trẻ. Dù mới tập trong thời gian ngắn, anh vẫn đưa đàn đáy lên sân khấu và trực tiếp trình diễn. Chi tiết này khiến phần thể hiện của buitruonglinh có thêm dấu ấn cá nhân, đồng thời cho thấy sự nghiêm túc của anh khi lựa chọn một chất liệu văn hóa để đưa vào tiết mục.

Bên cạnh đó, phần bridge tiếp tục là một điểm được khán giả chú ý. Cách buitruonglinh xử lý đoạn chuyển, đưa mạch cảm xúc từ phần này sang phần khác khiến cộng đồng ARCHER hài hước gọi anh là “Top 1 kỹ sư xây cầu”. Một biệt danh vui nhưng lại cho thấy khán giả đã nhận ra khá rõ một thế mạnh trong cách anh làm nhạc. Khi một kỹ năng chuyên môn có thể được cộng đồng tự hình thành thành một cách gọi riêng, đó cũng là một dấu hiệu cho thấy dấu ấn cá nhân của nghệ sĩ đang được ghi nhớ.

Và có lẽ điều đẹp nhất trong lần cuối làm đội trưởng của buitruonglinh lại nằm ở cảm xúc của chính anh. Nếu trước đó khán giả từng thấy một đội trưởng rơi nước mắt và tiếc nuối khi thành viên của mình phải dừng bước, thì ở sân khấu cuối cùng, buitruonglinh xuất hiện với tâm thế nhẹ nhàng và tận hưởng hơn. Anh cùng HURRYKNG, JSOL và CONGB hoàn thành sân khấu mà cả nhóm đã lựa chọn, mỗi người đều có một phần đất để thể hiện màu sắc riêng.

Mình cho rằng “Thêu Hoa Dệt Gấm” vì thế có thể xem là một cái kết đẹp cho hành trình đội trưởng của buitruonglinh tại Tinh Hà “Say Hi”. Không nhất thiết phải biến chất liệu dân gian thành một định vị cố định cho âm nhạc của anh, tiết mục đơn giản là cho thấy một buitruonglinh có khả năng mở rộng màu sắc khi đứng trong những hoàn cảnh phù hợp. Với một sân khấu nhóm, có lẽ đó mới là điều đáng ghi nhận nhất: mỗi người vẫn giữ được màu sắc của mình, nhưng khi đứng cùng nhau lại tạo ra một tiết mục có câu chuyện và bản sắc riêng.

18/09/2026

KHÔNG CÒN LÀ CƯƠNG NGỔ NGÁO, VÕ HOÀI VŨ THỬ SỨC VỚI VAI BÁ HIỀN LÀNH - CHỨNG MINH SỰ ĐA DẠNG TRONG DIỄN XUẤT.

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng điều đáng chú ý ở Võ Hoài Vũ không chỉ nằm ở việc anh có thêm một vai diễn mới, mà là cách một diễn viên trẻ chủ động tạo ra sự đối lập rõ rệt giữa các hình tượng của mình. Sau Cương trong “Phía bên kia thành phố” - một nhân vật g*i góc, nóng nảy, có phần ngổ ngáo thì Hoài Vũ tiếp tục xuất hiện trong “Đội bóng nữ làng Xuân” với Bá, một chàng trai hiền lành, lép vế và thậm chí có phần nhu nhược.

Mình thấy đây là một bước “quay xe” khá thú vị về mặt hình ảnh. Nếu Cương gây ấn tượng bằng ánh mắt sắc, giọng nói gằn và phong thái có phần bất cần, thì Bá lại được xây dựng bằng những biểu cảm lúng túng, dáng vẻ rụt rè và cách ứng xử có phần cam chịu. Sự thay đổi không chỉ nằm ở tạo hình hay thoại mà còn thể hiện qua ngôn ngữ cơ thể, cách tiết chế biểu cảm và năng lượng khi đứng cạnh bạn diễn. Chính những khác biệt đó giúp khán giả khó gắn Hoài Vũ với duy nhất một kiểu nhân vật.

Đáng nói hơn, sau khi tạo được dấu ấn với một hình tượng mạnh, nam diễn viên sinh năm 2000 không tiếp tục khai thác vùng an toàn bằng những vai g*i góc tương tự. Anh chọn một nhân vật yếu thế hơn, thậm chí chấp nhận trở thành “mảnh ghép chịu thiệt” trong các màn tung hứng của bộ ba Bá - Minh - Linh. Với một diễn viên trẻ, đây là lựa chọn đáng chú ý bởi sức hút của nhân vật không phải lúc nào cũng đến từ việc được xây dựng mạnh mẽ hay nổi bật nhất trên màn ảnh.

Ở góc độ truyền thông hình ảnh, mình thấy sự đối lập giữa Cương và Bá cũng giúp Hoài Vũ tạo được một “biên độ nhận diện” rộng hơn. Khán giả có thêm lý do để quan tâm đến những vai diễn tiếp theo thay vì mặc định anh chỉ phù hợp với kiểu nhân vật cá tính mạnh, phản diện hay g*i góc. Đây cũng là cách một diễn viên trẻ từng bước chứng minh năng lực bằng chính sự biến hóa, thay vì chỉ dựa vào lợi thế ngoại hình hay một hình tượng đã từng thành công.

Võ Hoài Vũ cũng có một lợi thế đặc biệt khi là con trai NSƯT Võ Hoài Nam, nhưng điều đáng để nói ở giai đoạn này không nên chỉ là câu chuyện “nối nghiệp cha”. Quan trọng hơn, anh đang từng bước tạo ra dấu ấn riêng bằng việc thử nghiệm nhiều màu sắc nhân vật và cho thấy tinh thần nghiêm túc với nghề. Nếu tiếp tục duy trì được sự đa dạng này, Hoài Vũ hoàn toàn có thể trở thành một trong những gương mặt trẻ đáng chú ý của thế hệ diễn viên mới trong vũ trụ VFC.

18/09/2026

VÌ SAO “THANH ÂM VIỆT NAM” CHỌN TÓC TIÊN ĐỂ ĐI RA QUỐC TẾ?

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng Tóc Tiên được lựa chọn cho “Thanh Âm Việt Nam” không đơn giản vì cô là một cái tên có độ nhận diện cao, mà vì cô sở hữu khá đầy đủ những yếu tố mà một nghệ sĩ đại diện Việt Nam cần có khi bước ra một sân khấu mang tính quốc tế.

Thực tế, Việt Nam không thiếu những nghệ sĩ nổi tiếng, có giọng hát tốt hay sở hữu lượng khán giả lớn. Nhưng với một sân chơi như “Thanh Âm Việt Nam”, bài toán không chỉ là tìm một ca sĩ có thể hát tốt một ca khúc. Nghệ sĩ trung tâm còn phải có khả năng trình diễn, làm chủ sân khấu, biến hóa giữa nhiều màu sắc âm nhạc và đủ bản lĩnh để đứng ở vị trí đại diện. Ở điểm này, Tóc Tiên là một lựa chọn khá phù hợp.

Nền tảng của Tóc Tiên cũng không phải câu chuyện mới bắt đầu. Cô bước vào nghề từ sớm, từng hoạt động tại hải ngoại trước khi trở về Việt Nam và tạo dấu ấn mạnh mẽ qua The Remix. “Ngày mai” cùng vũ điệu cồng chiêng từng cho thấy một điều rất quan trọng: Tóc Tiên không chỉ đưa một bài hát đến khán giả, cô có khả năng biến âm nhạc thành một màn trình diễn có hình ảnh và tạo ra sức lan tỏa. Đó cũng là lợi thế cần thiết khi một nghệ sĩ phải cạnh tranh bằng cả âm nhạc lẫn khả năng trình diễn trên sân khấu quốc tế.

Các dấu mốc như Best Asian Artist Vietnam tại MAMA 2017, màn trình diễn tại MAMA Premiere in Vietnam hay Bài hát của năm tại Giải Âm nhạc Cống hiến 2019 với “Có ai thương em như anh” là những minh chứng cho vị trí của Tóc Tiên trong thị trường âm nhạc. Nhưng nếu chỉ nhìn vào danh sách giải thưởng thì vẫn chưa đủ để lý giải lựa chọn này. Giá trị lớn hơn nằm ở việc năng lực biểu diễn của cô đã được kiểm chứng qua nhiều giai đoạn và nhiều định dạng sân khấu khác nhau.

Đặc biệt, mình thấy “Chị Đẹp Đạp Gió 2024” có thể xem là một bài kiểm tra khá gần với phiên bản Tóc Tiên hiện tại. Sau nhiều năm hoạt động, cô từng chia sẻ về cảm giác không còn thấy “ánh mắt lấp lánh” khi đứng trên sân khấu và từng nghĩ rằng cuộc sống vẫn có thể ổn nếu không tiếp tục làm nghề. Nhưng chính chương trình này lại cho thấy một Tóc Tiên khác: không chỉ trở lại với vai trò ca sĩ mà còn chủ động thử thách bản thân về vocal, vũ đạo, thể lực, ý tưởng và khả năng dẫn dắt một tập thể.

Mình cho rằng, những tiết mục như “Chân ái” hay “Đậm đà” cho thấy cô sẵn sàng đầu tư rất sâu vào phần trình diễn, từ việc kết hợp đu bay, xiếc tre cho đến những bài tập thể lực phục vụ vũ đạo. Quan trọng hơn, Tóc Tiên còn thể hiện tư duy của một người làm tiết mục khi đảm nhận vai trò trưởng nhóm Hoa Đạp Gió, dẫn dắt đội đi đến chiến thắng chung cuộc và nhận danh hiệu Chị đẹp đạp gió với điểm cá nhân cao nhất. Với một dự án cần xây dựng nhiều tiết mục khác nhau, khả năng này có giá trị không kém giọng hát.

Và đây có lẽ mới là điểm đáng chú ý nhất trong cách “Thanh Âm Việt Nam” lựa chọn Tóc Tiên. Dự án công bố cô là nghệ sĩ trung tâm và đại diện Việt Nam trong hành trình tham dự Eurovision Song Contest Asia 2026, đồng thời đưa ra năm tác phẩm với năm màu sắc khác nhau. Điều đó đồng nghĩa với việc Tóc Tiên không chỉ cần tìm một bài hát phù hợp với mình, mà phải liên tục thích nghi với những không gian sáng tạo khác nhau. Khi đó, một nghệ sĩ có khả năng biến hóa sẽ có nhiều đất để phát huy hơn một nghệ sĩ chỉ mạnh ở một màu sắc cố định.

Ở góc độ truyền thông, mình thấy việc chọn Tóc Tiên cũng tạo ra một câu chuyện có chiều sâu hơn cho dự án. Đây không phải hình ảnh một nghệ sĩ mới được đưa lên sân khấu quốc tế để tìm kiếm sự chú ý, mà là một nghệ sĩ đã có hành trình đủ dài, từng trải qua nhiều giai đoạn của thị trường và đang bước vào một thử thách mới. Chính quá trình ấy tạo nên chất liệu để kể câu chuyện về một nghệ sĩ đi tìm lại cảm hứng sân khấu, đồng thời đi tìm một phiên bản mới của chính mình.

Đặc biệt, thông điệp Tóc Tiên chia sẻ tại buổi họp báo ngày 16/9 cũng khiến hành trình này không chỉ còn là câu chuyện “mang nhạc Việt ra thế giới”. Mong muốn được khán giả Việt Nam công nhận trước khi tìm kiếm sự công nhận quốc tế tạo ra một tầng ý nghĩa khác cho dự án. Bởi về mặt truyền thông, mình cho rằng một sản phẩm muốn đi xa không chỉ cần được thị trường quốc tế nhìn thấy, mà trước hết phải tạo được sự đồng cảm với chính công chúng nơi nó bắt đầu.

Vì thế, mình đánh giá việc Tóc Tiên đồng hành cùng năm đội sáng tạo không đơn thuần là quá trình tìm ra một ca khúc đủ sức cạnh tranh quốc tế. Đó còn là quá trình để một nghệ sĩ có kinh nghiệm lâu năm đối thoại với những màu sắc âm nhạc mới, đồng thời để khán giả Việt Nam nhìn thấy một phiên bản Tóc Tiên khác. Nếu làm tốt, giá trị lớn nhất của hành trình này không chỉ nằm ở việc Tóc Tiên sẽ trình diễn ở đâu, mà ở việc cô có thể biến những chất liệu âm nhạc khác nhau thành một câu chuyện có bản sắc riêng như thế nào.

Vậy nên, nếu hỏi tại sao “Thanh Âm Việt Nam” lại chọn Tóc Tiên, mình nghĩ câu trả lời có lẽ không nằm ở việc cô có bao nhiêu giải thưởng hay bao nhiêu năm hoạt động. Tóc Tiên được đặt vào vị trí này bởi cô có sự kết hợp giữa kinh nghiệm, khả năng trình diễn, tư duy sân khấu, độ nhận diện và khả năng biến hóa - những yếu tố cho phép một nghệ sĩ không chỉ hát một ca khúc, mà biến ca khúc ấy thành một màn trình diễn.

Và khi mục tiêu cuối cùng là đưa một “thanh âm Việt Nam” ra thế giới, thứ cần đại diện không chỉ là một giọng hát, mà là khả năng kể câu chuyện Việt Nam bằng ngôn ngữ của một sân khấu quốc tế. Tóc Tiên vì thế đang đứng trước một bài toán thú vị: không chỉ chứng minh mình có thể bước ra quốc tế, mà còn phải cho khán giả thấy một nghệ sĩ Việt Nam có thể biến hóa đến đâu mà vẫn giữ được tiếng nói riêng của mình.

17/09/2026

VÂN DUNG KHIẾN KHÁN GIẢ TỨC TỐI VÌ VAI MẸ “TRÁO TRỞ”: GHÉT NHÂN VẬT, LẠI PHẢI NỂ DIỄN VIÊN.

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng phản ứng trái chiều dành cho vai bà Ngọc trong “Mùa hè năm ấy” thực chất lại là một tín hiệu rất tích cực đối với năng lực diễn xuất của Vân Dung. Bởi với một nhân vật phản diện về mặt tính cách, mục tiêu quan trọng nhất không phải là khiến khán giả yêu thích, mà là khiến họ tin rằng nhân vật đó thực sự tồn tại và có thể khiến họ cảm thấy tức giận, khó chịu, thậm chí “ghét” nhân vật sau mỗi phân cảnh.

Điểm đáng nói ở vai bà Ngọc là Vân Dung không xây dựng sự thực dụng theo cách quá trực diện. Nhân vật vẫn nói chuyện nhẹ nhàng, thậm chí có những lúc rất ngọt ngào, nhưng phía sau đó lại là sự tính toán và lạnh lùng. Chính sự đối lập giữa vẻ ngoài mềm mỏng và cách hành xử sắc lạnh khiến nhân vật trở nên khó chịu theo một cách rất đời. Những chi tiết như ánh mắt, khóe miệng, cách nhấn câu hay biểu cảm khi đối diện với Khánh đều góp phần tạo nên cảm giác “thảo mai” mà khán giả liên tục nhắc đến trong phần bình luận.

Đặc biệt, việc khán giả nhớ được rất rõ những hành động của bà Ngọc - từ việc phủ nhận món nợ tình nghĩa với gia đình Khánh cho đến thái độ nhiệt tình với Tùng vì địa vị và điều kiện kinh tế cho thấy nhân vật đã tạo được một xung đột cảm xúc đủ mạnh. Khán giả không chỉ xem và biết nhân vật “xấu”, mà còn chủ động tranh luận về động cơ, quá khứ và cách ứng xử của bà. Ở góc độ truyền thông, mình thấy đây là dạng phản ứng rất có giá trị vì nhân vật đã bước ra khỏi màn hình và trở thành một chủ đề được bàn luận độc lập.

Một điểm mình đánh giá cao hơn nữa là cách Vân Dung tham gia vào cuộc trò chuyện sau khi nhân vật bị phản ứng. Thay vì phủ nhận những tranh luận của khán giả, nữ nghệ sĩ đứng ở góc nhìn của chính bà Ngọc để giải thích rằng nhân vật đang hành động vì tình yêu dành cho con và gia đình, đồng thời nhấn mạnh “cái khổ của các bà mẹ là trái tim lúc nào cũng đi trước cái đầu vài bước”. Cách này giúp mở thêm một lớp nghĩa cho nhân vật: bà Ngọc không đơn thuần là một người mẹ “tráo trở”, mà là một người mẹ có cách bảo vệ con đầy cực đoan và thực dụng.

Với nghệ sĩ, mình thấy đây cũng là một dạng thành công về mặt hình ảnh nghề nghiệp. Vân Dung vốn quen thuộc với khán giả qua nhiều dạng vai, nhưng khi một nghệ sĩ có thể khiến công chúng tạm thời quên đi hình ảnh quen thuộc của mình để thực sự “ghét” một nhân vật, điều đó cho thấy khả năng hóa thân đã đủ thuyết phục. Khán giả càng bức xúc với bà Ngọc bao nhiêu thì ở một góc độ khác, họ càng đang ghi nhận diễn xuất của Vân Dung bấy nhiêu. Không phải cứ nhân vật bị ghét là diễn viên thành công, nhưng khi sự khó chịu của khán giả xuất phát trực tiếp từ ánh mắt, giọng nói, biểu cảm và cách nhân vật ứng xử, đó lại là một dấu hiệu đáng chú ý về sức nặng của diễn xuất.

Vì vậy, thay vì nhìn làn sóng chỉ trích bà Ngọc như một khủng hoảng hình ảnh dành cho Vân Dung, mình cho rằng nên nhìn nó như một hiệu ứng truyền thông tự nhiên được tạo ra từ chính chất lượng của vai diễn. Nhân vật càng gây tranh luận, khán giả càng muốn theo dõi những diễn biến tiếp theo để xem lựa chọn của bà Ngọc sẽ dẫn câu chuyện đi đến đâu. Và với một diễn viên, đôi khi việc khiến khán giả “ghét nhân vật nhưng nhớ tên diễn viên” chính là một trong những minh chứng rõ nhất cho khả năng tạo dấu ấn trên màn ảnh.

17/09/2026

OSAD TỪ ‘THÁNH THẢ THÍNH’ NGƯỜI ÂM PHỦ ĐẾN BIẾN SỐ LỚN NHẤT ANH TRAI VƯỢT NGÀN CHÔNG G*I.

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng OSAD là một trường hợp rất đáng chú ý về cách một nghệ sĩ có thể “lật lại định vị” trong mắt công chúng thông qua một chương trình truyền hình thực tế.

Trước khi bước vào Anh Trai Vượt Ngàn Chông G*i, hình ảnh OSAD trong mắt số đông khá đơn giản: một rapper gắn với Người Âm Phủ, những bản rap “thả thính” và hình ảnh có phần hài hước, thậm chí từng bị gắn với câu chuyện “rapper nhưng không đủ bụi”. Chính vì vậy, khi bước vào một sân chơi quy tụ nhiều nghệ sĩ có kinh nghiệm biểu diễn, thanh nhạc và sân khấu, OSAD dễ bị nhìn như một nhân tố phụ hơn là ứng viên nổi bật.

Nhưng điểm mình thấy thú vị nằm ở chỗ chương trình đã tạo ra một “sân khấu đủ dài” để OSAD liên tục bóc tách những lớp hình ảnh mà trước đó khán giả chưa nhìn thấy. Anh không cố gắng chứng minh mình giỏi tất cả ngay từ đầu, mà qua từng công diễn lại xuất hiện thêm một năng lực mới: rap, hát, sáng tác, sản xuất, vũ đạo, trình diễn, làm concept và kết nối với đồng đội. Mỗi lần xuất hiện lại tạo ra một lý do mới để khán giả tiếp tục tò mò.

Đây chính là yếu tố quan trọng nhất trong hành trình truyền thông của OSAD: không phải tạo ra một hình ảnh hoàn toàn mới, mà mở rộng hình ảnh cũ. Khán giả vốn đã biết OSAD là rapper, nhưng chương trình khiến họ nhận ra phía sau một rapper “thả thính” còn có một người học Bách khoa, biết nấu ăn, chơi game, nhảy, sáng tác và có khả năng tham gia sâu vào quá trình sản xuất âm nhạc. Sự đối lập giữa hình ảnh trên sân khấu và đời thường càng khiến nhân vật trở nên gần gũi, dễ tạo meme và dễ được cộng đồng mạng chia sẻ.

Đặc biệt, mình cho rằng những khoảnh khắc đời thường như nấu ăn cho đồng đội, mang cơm đến phim trường hay những biểu cảm “cạn lời” trong nhà chung lại có giá trị truyền thông không kém các sân khấu chuyên môn. Bởi trong một chương trình có rất nhiều nghệ sĩ giỏi, năng lực chuyên môn có thể giúp một người được công nhận, nhưng tính cách và những khoảnh khắc đời thường mới là thứ giúp khán giả hình thành cảm tình. OSAD vô tình có được một hình ảnh rất dễ yêu: tài năng nhưng không quá xa cách, hài hước nhưng không cố làm trò, biết nhiều thứ nhưng không cần liên tục nói mình giỏi.

Cú bật lớn hơn đến từ Công diễn 4. Fast flow với tốc độ cao, phần rap được viết lại cho Đại Khải Hoàn và chiến thắng danh hiệu “Anh Tài Dũng Sĩ” đã đưa năng lực chuyên môn của OSAD trở thành một chủ đề được bàn luận. Quan trọng hơn, đây là lúc hình ảnh “OSAD - rapper Người Âm Phủ” bắt đầu được thay thế bằng một hình ảnh rộng hơn: OSAD là một nghệ sĩ có khả năng sáng tạo và thích nghi với nhiều dạng sân khấu.

Nếu nhìn dưới góc độ xây dựng thương hiệu cá nhân, mình đánh giá OSAD đang có một lợi thế rất lớn: hiệu ứng mở khóa. Khán giả không được nhìn thấy tất cả năng lực của anh cùng một lúc. Mỗi công diễn giống như một lần mở thêm một “skill”, khiến công chúng luôn có cảm giác: “Ủa, hóa ra ông này còn làm được cái này?”. Chính chuỗi bất ngờ liên tục này tạo ra động lực để khán giả tiếp tục theo dõi.

Và đây cũng là lý do mình cho rằng câu chuyện OSAD đáng chú ý hơn một cú viral thông thường. Viral chỉ giúp một khoảnh khắc được nhìn thấy, còn sự phát triển của nhân vật mới khiến khán giả ở lại. OSAD đang có cả hai: những khoảnh khắc đủ giải trí để lan truyền trên mạng xã hội và một hành trình đủ rõ để khán giả cảm nhận được sự tiến bộ qua từng vòng. Và có lẽ “biến số” của anh không nằm ở việc bất ngờ thắng một sân khấu, mà nằm ở việc sau mỗi sân khấu, định kiến ban đầu của khán giả lại phải được cập nhật một lần.

*i

17/09/2026

VÌ SAO “THỬ LÒNG QUÂN TỬ” LÀ MỘT LỰA CHỌN THÔNG MINH CỦA PHƯƠNG MỸ CHI KHI KẾT HỢP CÙNG RHYDER?

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng “Thử Lòng Quân Tử” là một màn kết hợp khá thông minh của Phương Mỹ Chi, bởi đây không chỉ là sự kết hợp về âm nhạc mà còn là sự kết hợp về hình ảnh, tệp khán giả và câu chuyện phía sau hai nghệ sĩ.

Điểm đáng chú ý là Phương Mỹ Chi không chọn một nghệ sĩ có màu sắc tương đồng với mình. Nếu tiếp tục kết hợp với một giọng hát mang màu dân gian, sản phẩm có thể an toàn nhưng khó tạo bất ngờ. Trong khi đó, RHYDER lại mang màu sắc hiện đại, cá tính và có chất riêng. Sự khác biệt này giúp hai người bổ trợ cho nhau: Phương Mỹ Chi giữ được nét văn hóa và màu sắc dân ca, còn RHYDER đưa ca khúc đến gần hơn với nhóm khán giả trẻ yêu thích âm nhạc hiện đại.

Ở góc độ truyền thông, đây cũng là một cách mở rộng khán giả mà không làm mất đi hình ảnh vốn có của Phương Mỹ Chi. Hát Xoan Phú Thọ tiếp tục là chất liệu giúp cô tạo dấu ấn riêng, nhưng khi được đặt trên nền nhạc điện tử và kết hợp cùng RHYDER, chất liệu truyền thống trở nên gần gũi hơn với người trẻ. Đây là điểm quan trọng: làm mới văn hóa không có nghĩa là bỏ đi bản sắc, mà là tìm một cách thể hiện khiến thế hệ hôm nay muốn nghe, muốn xem và muốn chia sẻ.

Một yếu tố khác mình thấy khiến màn kết hợp này có giá trị truyền thông nằm ở câu chuyện 13 năm của hai nghệ sĩ. Từ Quang Anh và Phương Mỹ Chi của “The Voice Kids 2013”, đến RHYDER và Phương Mỹ Chi của hiện tại, cả hai đã gặp lại nhau với tư cách những nghệ sĩ trưởng thành và có con đường riêng. Câu chuyện này khiến sản phẩm có thêm cảm xúc, bởi khán giả không chỉ thấy sự kết hợp giọng hát của hai nghệ sĩ trong một MV mà còn nhìn thấy hành trình trưởng thành của họ sau hơn một thập kỷ.

Về hình ảnh, sự kết hợp giữa chất liệu truyền thống và không gian hiện đại cũng tạo ra một điểm nhận diện rõ ràng cho MV. Phương Mỹ Chi đang theo đuổi hướng đưa văn hóa Việt đến gần hơn với khán giả trẻ, vì vậy việc tiếp tục khai thác chất liệu dân gian nhưng thể hiện bằng ngôn ngữ hình ảnh mới giúp cô giữ được sự nhất quán trong hành trình xây dựng hình ảnh cá nhân.

Điều mình thấy đáng chú ý nhất là sản phẩm này có nhiều lớp câu chuyện để khán giả bàn luận: từ Hát Xoan Phú Thọ, sự đối lập trong màu sắc âm nhạc của hai nghệ sĩ, đến câu chuyện hai người từng là đối thủ trên sân khấu năm nào nay lại đứng chung trong một sản phẩm. Khi một sản phẩm có nhiều điểm để nói, khả năng tạo ra cuộc trò chuyện tự nhiên trên mạng xã hội cũng sẽ cao hơn.

Vì vậy, nếu nhìn dưới góc độ truyền thông, điểm đáng giá nhất của “Thử Lòng Quân Tử” không đơn thuần nằm ở việc Phương Mỹ Chi kết hợp với RHYDER, mà ở cách hai nghệ sĩ tạo ra một câu chuyện có quá khứ, có hiện tại và có sự tiếp nối. Một màn kết hợp hiệu quả đôi khi chính sự khác biệt về màu sắc, cộng thêm một câu chuyện đủ tốt phía sau, mới tạo ra được sự cộng hưởng và khiến khán giả nhớ đến sản phẩm lâu hơn.

16/09/2026

HÒA MINZY TRỞ THÀNH ỦY VIÊN TRUNG ƯƠNG HỘI: KHI SỨC ẢNH HƯỞNG CỦA NGHỆ SĨ BƯỚC SANG MỘT VAI TRÒ MỚI.

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng việc Hòa Minzy được hiệp thương tham gia Ủy ban Trung ương Hội Liên hiệp Thanh niên Việt Nam không chỉ là một thông tin về “thêm một chức danh”, mà còn là một bước mở rộng rất rõ trong vai trò xã hội của một nghệ sĩ.

Điểm mình thấy đáng chú ý nằm ở sự giao thoa giữa sức ảnh hưởng cá nhân và vai trò đại diện cộng đồng. Hòa Minzy đã có một cộng đồng người hâm mộ lớn, khả năng tạo độ phủ tốt và đặc biệt là hình ảnh tương đối gần gũi với người trẻ. Những thành công như Bắc Bling cho thấy cô không chỉ có khả năng tạo sản phẩm âm nhạc mà còn biết cách đưa văn hóa, hình ảnh địa phương và câu chuyện cộng đồng vào một sản phẩm đại chúng. Vì vậy, khi tham gia công tác Hội, thứ Hòa Minzy mang theo không chỉ là danh tiếng của một ca sĩ, mà còn là khả năng kết nối và lan tỏa thông điệp tới một nhóm công chúng rất rộng.

Ở góc độ truyền thông, đây cũng là một bước chuyển từ “người tạo nội dung cho công chúng” sang “người tham gia vào những hoạt động hướng tới cộng đồng”. Hai vai trò này khác nhau. Khi đứng trên sân khấu, nghệ sĩ chủ yếu tạo ra cảm xúc, giải trí và kết nối thông qua sản phẩm cá nhân. Nhưng khi tham gia một tổ chức Hội, mỗi phát ngôn, hoạt động hay hình ảnh xuất hiện trước công chúng sẽ gắn với một không gian trách nhiệm rộng hơn. Điều đó đồng nghĩa sức ảnh hưởng cá nhân được đặt trong một hệ thống hoạt động xã hội cụ thể.

Đặc biệt, mình cho rằng việc trong cùng năm Hòa Minzy tham gia cả Hội Liên hiệp Phụ nữ Việt Nam và Hội Liên hiệp Thanh niên Việt Nam tạo nên một câu chuyện truyền thông khá rõ: một nghệ sĩ trẻ đang mở rộng phạm vi hoạt động từ nghệ thuật sang cộng đồng. Nếu được triển khai tốt, hình ảnh này có thể giúp công chúng nhìn Hòa Minzy ở nhiều lớp hơn thay vì chỉ gắn cô với âm nhạc, gameshow hay đời sống giải trí.

Với mình, đây cũng là một bài toán quản trị hình ảnh cá nhân khá thú vị. Khi một nghệ sĩ bước sang không gian hoạt động xã hội, hình ảnh cần được điều chỉnh: vẫn giữ sự gần gũi, trẻ trung vốn có nhưng đồng thời phải thể hiện sự nghiêm túc, trách nhiệm và phù hợp với vai trò mới. Đây là lúc thương hiệu cá nhân không còn chỉ được xây bằng sản phẩm hay độ viral, mà được xây thêm bằng những giá trị mà nghệ sĩ lựa chọn để đồng hành.

Và mình cho rằng đây mới là phần đáng quan sát trong chặng tiếp theo của Hòa Minzy. Bởi một nghệ sĩ có sức ảnh hưởng lớn không nhất thiết chỉ được nhớ đến bởi những sản phẩm đạt hàng trăm triệu lượt xem. Khi sức ảnh hưởng đó được đặt vào những hoạt động có ích cho cộng đồng và được duy trì một cách nhất quán, nó có thể chuyển hóa từ độ nổi tiếng thành giá trị xã hội. Với Hòa Minzy, vai trò mới vì thế không đơn thuần là thêm một dòng vào profile, mà đang mở ra một hướng phát triển hình ảnh rộng hơn: nghệ sĩ - người truyền cảm hứng - và người kết nối cộng đồng trẻ.

16/09/2026

4 LIVE STAGE ‘ĐI RA THẾ GIỚI’, VÌ SAO CHUNG KẾT TINH HÀ SAY HI LẠI TÌM VỀ CHẤT VIỆT?

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng việc Tinh Hà Say Hi dành đêm chung kết để tìm lại “chất Việt” không phải một cú bẻ lái ngẫu hứng, mà là một bước đi khá tính toán về mặt truyền thông.

Sau 4 Live Stage liên tục khai thác những màu sắc và chuẩn mực âm nhạc quốc tế, chương trình đã gần như hoàn thành một nhiệm vụ: chứng minh nghệ sĩ Việt có thể chơi được với nhiều “luật chơi” khác nhau và không thua kém bất cứ nghệ sĩ quốc tế nào. Nhưng khi khán giả đã quen với những concept mang hơi hướng toàn cầu, câu hỏi quan trọng hơn bắt đầu xuất hiện: Nếu bỏ lớp vỏ quốc tế ấy đi, điều gì khiến nghệ sĩ Việt khác biệt? Và đó chính là lúc văn hóa Việt trở thành điểm neo.

Mình nghĩ Afrobeat, Synth-pop hay EDM có thể giúp nghệ sĩ chứng minh năng lực và dễ đi vào tâm trí giới trẻ, nhưng những chất liệu ấy không phải tài sản độc quyền của Việt Nam. Trong khi đó, kinh kỳ, câu khoan hò, gấm vóc, cơm nhà… là những mã văn hóa mà chỉ cần được xử lý đủ tinh tế, khán giả đã có thể nhận diện ngay nguồn gốc. Vì vậy, chung kết không đơn thuần là “làm nhạc Việt”, mà là bài toán dùng kỹ thuật quốc tế để kể lại một câu chuyện rất Việt.

Ở góc độ truyền thông, mình thấy đây cũng là lựa chọn thông minh bởi văn hóa Việt vốn đã có một “kho nguyên liệu” rất lớn: phục trang, kiến trúc, âm nhạc dân gian, chất liệu đời sống và những câu chuyện quen thuộc. Khi đưa lên sân khấu, những yếu tố này tạo ra khả năng nhận diện hình ảnh rất mạnh, đồng thời giúp chương trình có thêm những khoảnh khắc dễ được cắt thành short video, hình ảnh viral hay trở thành chủ đề bàn luận sau chương trình.

Nhìn vào demo 4 tiết mục chung kết, có thể thấy mỗi đội đang chọn một cách khác nhau để giải bài toán “chất Việt”. Trễ Giờ Cơm của team Quang Hùng MasterD đi vào đời sống và sự gần gũi, dễ tạo đồng cảm với đại chúng và có lợi thế về khả năng lan truyền trên TikTok. Ngược lại, Thêu Hoa Dệt Gấm của team buitruonglinh khai thác mạnh màu sắc cổ phong, tạo nên một thế giới thị giác tương đối hoàn chỉnh; nhưng nếu xử lý không mới, chất liệu này rất dễ rơi vào công thức quen thuộc.

Bức Tranh Tháng 6 của team Wren Evans lại có dư địa sáng tạo lớn hơn khi sở hữu những nghệ sĩ có cá tính sân khấu mạnh, phù hợp với cách kể chuyện mang tính kịch và phá vỡ kỳ vọng. Tuy nhiên, với những concept nhiều lớp, ranh giới giữa “ấn tượng” và “quá tay” rất mong manh: nếu phần nhìn quá áp đảo, khán giả có thể nhớ sân khấu nhưng lại không nhớ bài hát. Còn Sau Hình Bóng Khác của team Dương Domic lại đi theo hướng kín đáo hơn, đưa chất Việt vào giai điệu và cách kể chuyện thay vì đặt nặng phần hình thức. Đây là kiểu lựa chọn có thể không tạo hiệu ứng thị giác tức thời bằng những concept lớn, nhưng có tiềm năng nằm lại lâu hơn ở khả năng nghe lại.

Và nếu nhìn toàn bộ mùa Say Hi như một câu chuyện truyền thông, mình thấy thông điệp khá rõ: đi ra thế giới để học cách chơi, nhưng cuối cùng phải quay về để biết mình là ai. Bài toán của nghệ sĩ Việt bây giờ không còn đơn giản là “chúng ta có thể làm giống quốc tế đến đâu”, mà là sau khi hấp thụ những tiêu chuẩn và kỹ thuật của thế giới, chúng ta có thể dùng chúng để kể một câu chuyện riêng đến mức nào.

Bởi trong truyền thông, thứ giúp một nghệ sĩ được chú ý có thể là sự mới mẻ, nhưng thứ giúp họ được nhớ lại thường là bản sắc. Và có lẽ đó cũng là lý do “chất Việt” được đặt ở điểm cuối của hành trình: không phải để quay về với những gì cũ, mà để chứng minh rằng mình có thể mang cái cũ kể bằng một ngôn ngữ mới.

15/09/2026

HOÀNG DŨNG VÀ MẸ: SỰ CỘNG HƯỞNG CỦA HAI THẾ HỆ YÊU NGHỆ THUẬT.

Từ góc nhìn của người làm truyền thông gần 10 năm với những người nổi tiếng, mình cho rằng điều khiến câu chuyện Hoàng Dũng đưa mẹ lên sân khấu “Anh trai vượt ngàn chông g*i” được chú ý không chỉ nằm ở việc đây là một tiết mục văn hóa, mà nằm ở cách câu chuyện cá nhân được đặt vào đúng thời điểm và đúng bối cảnh để tạo thành một câu chuyện truyền thông có cảm xúc.

Hoàng Dũng vốn là người dân tộc Tày, vì vậy việc lựa chọn hát Then, đàn tính không phải một chất liệu được “gắn” vào tiết mục để tạo sự khác biệt, mà xuất phát từ chính câu chuyện và bản sắc của anh. Khi một nghệ sĩ đưa được một phần con người thật của mình lên sân khấu, khán giả dễ cảm nhận được sự chân thành hơn rất nhiều so với việc chỉ khai thác văn hóa như một yếu tố hình ảnh.

Mình thấy đắt giá nhất trong câu chuyện này lại là sự xuất hiện của mẹ Hoàng Dũng. Nếu chỉ có hát Then, đàn tính và câu chuyện văn hóa Tày, tiết mục có thể đẹp và ý nghĩa, nhưng chưa chắc tạo được sức lan truyền mạnh. Việc một người mẹ từng là giảng viên đại học, sau khi nghỉ hưu mới bắt đầu sinh hoạt hát Then, rồi lần đầu tiên đứng chung sân khấu với con trai đã tạo thêm một lớp câu chuyện rất đời. Từ “văn hóa dân tộc” chuyển thành “văn hóa được truyền từ thế hệ này sang thế hệ khác”, và từ một tiết mục âm nhạc trở thành câu chuyện về gia đình.

Đây cũng là một cách xây dựng hình ảnh nghệ sĩ rất thông minh. Khán giả không chỉ nhìn thấy Hoàng Dũng với tư cách một ca sĩ, mà nhìn thấy anh trong vai trò một người con. Hình ảnh đó giúp nghệ sĩ trở nên gần gũi và có chiều sâu hơn. Đặc biệt, việc mẹ anh không phải một nhân vật nổi tiếng càng khiến khoảnh khắc này có tính chân thật. Nó tạo ra cảm giác đây không phải một màn “đưa người thân lên sân khấu để gây chú ý”, mà là một khoảnh khắc có ý nghĩa thật sự với chính nghệ sĩ.

Ở góc độ truyền thông, mình thấy đây là cách kể chuyện rất đáng học: bắt đầu từ một lợi thế cá nhân, phát triển thành một ý tưởng sân khấu, sau đó mở rộng thành câu chuyện gia đình và cuối cùng chạm đến câu chuyện văn hóa. Một chi tiết cá nhân được đặt đúng vào câu chuyện lớn sẽ tạo ra nhiều tầng nội dung để khán giả có thể đồng cảm và chia sẻ.

Điều mình đánh giá cao nhất là tiết mục không cố “nói” rằng Hoàng Dũng tự hào về nguồn gốc của mình, mà để khán giả tự nhìn thấy điều đó qua âm nhạc, hình ảnh người mẹ và câu chuyện hai thế hệ cùng đứng trên sân khấu. Trong truyền thông cá nhân, những điều khán giả tự cảm nhận thường có sức thuyết phục hơn rất nhiều so với những điều nghệ sĩ trực tiếp nói về bản thân.

Vì vậy, sức mạnh truyền thông của câu chuyện này không đến từ một chiêu viral đơn lẻ. Nó đến từ việc có một câu chuyện thật, một chất liệu riêng và một khoảnh khắc đủ cảm xúc. Khi nghệ sĩ biết biến “mình là ai” thành một phần của nội dung, thương hiệu cá nhân sẽ không còn là việc cố gắng tạo ra hình ảnh, mà trở thành cách kể lại chính câu chuyện của mình một cách có chủ đích.

*i

CEO Hải Anh Media

23/09/2026

18/09/2026

18/09/2026

17/09/2026

17/09/2026

17/09/2026

16/09/2026

16/09/2026

15/09/2026

Address

Website

Alerts

Shortcuts

Share

Category

Listing takedown request